Moda Hip-Hop

O hip-hop é tanto a voz de uma juventude alienada e frustrada quanto de uma indústria cultural multibilionária embalada e comercializada em escala global. O hip-hop também é uma subcultura multifacetada que transcende muitas das caracterizações populares usadas para descrever outras culturas jovens guiadas pela música. Uma das considerações importantes sobre o hip-hop é que, desde sua concepção no início dos anos 1970, o hip-hop se tornou indiscutivelmente mais potente e eficiente em galvanizar a identidade social negra do que o movimento pelos direitos civis dos anos 1960.

A evolução do hip-hop se desenvolveu de uma ruminação autoconsciente de palavras e música para uma expressão obstinada da vida urbana contemporânea por meio de gestos e trajes corporais. Desde o início, a moda hip-hop tem seguido uma trajetória de florescimento implacável. Os desenvolvimentos ocorreram principalmente no setor de roupas masculinas; as primeiras roupas eram funcionais e incluíam itens convencionais - jaquetas de couro com apliques multicoloridos, casacos de pele de carneiro, casacos de carro, jeans de veludo cotelê ou jeans, moletons com capuz, calças esportivas de aquecimento, gola rulê simulada e tênis e bonés. Itens menos funcionais incluíam jeans e cintos de marca, joias de ouro, bonés Kangol, Pumas com atacadores grossos, tênis de basquete e óculos grandes da Cazal.

As formas largas de vestuário que disfarçam os contornos do corpo foram introduzidas na década de 1980. Durante o início dos anos 2000, a aparência arquetípica do hip-hop consistia em bonés de beisebol com a insígnia das ligas negras, times de futebol e estilistas famosos. Chapéus de gorro de lã e bandanas eram usados individualmente ou juntos. Jaquetas de penas de ganso ou outras roupas de mau tempo combinadas com moletons com capuz. Durante o final da década de 1990, a onipresente camiseta branca de grandes dimensões, coletes de basquete e camisas de hóquei se tornaram a marca da expressão. Jeans largos ou calças cargo camufladas usadas de forma rebaixada, mochilas, botas de combate ou de caminhada ou tênis esportivos foram complementados com tatuagens e penteados raspados, trançados ou com dreads. Inicialmente, as roupas femininas de hip-hop consistiam em looks inconseqüentes que refletiam o vestuário feminino contemporâneo e eram acompanhados por itens como jeans Gloria Vanderbilt, brincos de bambu, bolsas Fendi e Louis Vuitton, correntes de nome, tops de cintura, tops de sutiã, saias curtas, jeans justos, botas de cano alto, tranças e tranças de cabelos lisos, tatuagens, unhas postiças e joias de ouro enormes. Além disso, algumas mulheres usavam roupas que consistiam em itens semelhantes aos usados pelos homens durante a década de 1990. Rappers como Lil 'Kim e Foxy Brown exibiram roupas provocantes e gestos sexuais bizarros que acabariam se tornando uma razão de ser para o hip-hop feminino.

De dentro do ambiente pós-industrial, o hiphop emergiu como uma articulação de uma 'alteridade' afirmativa, que às vezes é impopular e incompreendida por grupos politicamente conservadores e socialmente moralistas, e especialmente por aqueles que consideram a perspectiva modernista e anti-pluralista sacrossanta. .

Conseqüentemente, o hip-hop tende a ser impopular entre as agências estabelecidas que desejam censurar a expressão e supervisionar a conduta e a moral dos jovens; no entanto, o hip-hop é entendido pelas agências de mídia de massa e é explorado como um sintoma da volatilidade entre a atração do materialismo e a estagnação da classe baixa urbana. O estado precário dessa condição força o hip-hop a se tornar um projeto preocupado com o domínio da sobrevivência urbana e, portanto, tem um apelo global que é demonstrado no hip-hop da Nova Zelândia, Japão, África, França e Grã-Bretanha.

Uma força centrífuga, o hip-hop contribuiu para a conceituação de uma perspectiva alternativa na sociedade em geral; isso inclui materialismo, boas maneiras, moral, política de gênero, linguagem, gesto, música, dança, arte e moda. A música e a moda hip-hop alcançaram uma posição essencial na cultura, embora oscilem na periferia da conformidade e da aceitabilidade geral, mas por causa da noção de status de outsider e com base na popularidade da música rock, o hiphop foi admirado e imitado por adolescentes das mais diversas etnias e classes sociais.

Onde o hip-hop começou

O hip-hop às vezes se tornou sinônimo de uma constelação de produtos no mercado de bens de luxo, embora tal situação fosse absurda na gênese do hip-hop. O hip-hop foi formado na cultura das festas de porão que aconteciam no Bronx, na cidade de Nova York. Essas festas foram formalizadas quando os DJs Kool Herc, Grandmaster Flash e DJ Starski começaram a tocar em festas improvisadas em parques, ruas e centros comunitários. DJ jamaicano Kool Herc, o fundador creditado do hip-hop break-beats baseou seu sistema de discoteca Herculords nos sistemas de som reggae jamaicano que tocou na Jamaica e em Nova York. A forma artística do rap surgiu como uma forma de comunicar a narrativa ao público. O rap é semelhante a 'brindar', uma característica há muito estabelecida da música reggae.

Influência em outros estilos

'B-boy' e 'Flyboy' foram designações usadas para diferenciar aqueles que estavam focados na música e dança, e aqueles que estavam focados na moda. B-boys e B-girls foram os primeiros, e Flyboys e Flygirls o último. B-boys derivaram sua designação de break-dancing. Dançarinos de break vestidos com roupas esportivas, como tênis Puma, calças esportivas Adidas, camisetas e jaquetas de náilon acolchoadas ou de couro. Eles se especializaram em fazer movimentos acrobáticos e explosivos de estalar o corpo poéticos, que desafiam a gravidade, com o acompanhamento de fraseados interrompidos, repetidos e sobrepostos de gravações de break-beat.

As subtendências que se seguiram ao break se tornaram as precursoras da moda influenciada pelo rap. Por exemplo, existem correlações diretas com a moda associada ao rap hardcore, gangsta rap e rap afrocêntrico / cultural.

Um menino doméstico de Nova York em meados da década de 1990

O usuário está vestido com icônicos clássicos americanos, uma camiseta branca e jeans 501 da Levi's. Ou ele ignora isso ou suas outras roupas e a maneira como as veste são escolhidas para compensar seu status: boné de golfe Kangol, tênis Nike e os onipresentes bermudas.

No entanto, o dispositivo principal da tela é obtido usando cuecas samba-canção com jeans de uma maneira que a borda elástica da cueca samba-canção aparece sobre a cintura da calça jeans, fazendo com que o elástico da marca do designer fique visível. Como consequência, o jeans é reestruturado, na medida em que a forma da calça começa a afetar o passo do usuário. Feixes de tecido se acumulam ao redor das pernas, causando volume e movimentos restritivos. Essa forma precária de vestir jeans cria a base para a expressão.

A expressão B-boy cruzou com sucesso a divisão subcultural. Os praticantes de skate, que são predominantemente brancos, também adotaram grande parte da expressão B-boy e a adaptaram para seu estilo de vida. Os Daisy Agers foram exemplificados pelos rappers De La Soul, que se basearam nas características afrocêntricas demonstradas por vários movimentos da consciência negra desde os anos 1960. Neo-Panthers, Afrocentrics, Sportifs e Gangstas representam desenvolvimentos que gozaram de seguidores generalizados. Na verdade, essas caracterizações contêm objetos de vestuário que demonstram cumplicidade em praticamente todas as expressões da diáspora, desde que o hip-hop se definiu no início dos anos 1980. Muitos dos objetos de moda utilizados pelo B-boy dos anos 1980 eram afirmações do pré-1980. Muito da expressão gangsta emprestada do estilo cafetão dos anos 1970, enquanto o visual de meados dos anos 1980 do arquetípico B-boy fundia a estética da Pantera Negra com um visual de roupas esportivas temperado por Jamaican Rude Bwoys . B-boys e Flyboys tiveram sucesso como resultado do intercâmbio intercultural entre 'os imperativos culturais da história e identidade afro-americana e caribenha' (Rose p. 21).

Durante meados dos anos 1980 e início dos anos 1990, a moda hip-hop ganhou importância à medida que a música hip-hop se tornou um sucesso em todo o mundo. Como consequência, os B-boys não são mais negros e da classe trabalhadora.

A gênese do hip-hop fashion foi habilmente articulada pelos B-boys da década de 1970, que criaram um caminho para agrupamentos de hip-hop subsequentes (Daisy Agers, New Jacks, Sportifs, Nationalist [neo-Panthers]), que acrescentaram seus próprias expressões únicas para a moda. Como designers não oficiais, esses grupos violaram e corromperam muitas das propostas existentes sobre moda e forneceram o modelo que uma nova geração de usuários de moda hip-hop deveria ter cometido. Como a música hip-hop, a moda hip-hop edita, samples, repete, une e cria novas modas - às vezes de absurdos e às vezes de sentimentos profundos que definem as experiências genuínas dos usuários de hip-hop. Em muitos casos, descobriu-se que os B-boys têm entusiasmo pelas marcas da moda mainstream. Uma característica das expressões da moda hip-hop é a predileção por grifes americanas, italianas e inglesas, como Tommy Hilfiger, Ralph Lauren, Gucci e Burberry. Para o B-boy, o consumo de roupas faz parte de um rito de consumo e exibição que reafirma a fórmula: 'Eu sou = o que tenho e o que consumo' (Fromm p. 36).

A estilização exagerada do B-boy é articulada em roupas engraçadas, exageradas e bizarras que às vezes são semelhantes a um personagem de desenho animado. Essa estética visual substitui e dissipa qualquer ideia de que a alienação torna os indivíduos invisíveis. A versão 'padronizada' da moda hip-hop tornou-se presa à paródia. Durante a década de 1980, as marcas de moda se instalaram na cultura hip-hop. A adoção de roupas falsificadas da Gucci e Fendi e de Nikes e Timberlands genuínos representou tentativas de criar moda que tenha ressonância além do contexto da comunidade hip-hop.

Durante a década de 1980, a loja Dapper Dan do Harlem tornou-se conhecida pela ideia de exaltar marcas de moda conspícuas 'exóticas', como Fendi e Gucci. Muito do apelo para os consumidores estava na destilação dos logotipos dessas marcas de alta moda para seus roupas e nas ruas do Harlem. Normalmente, o tecido impresso com os logotipos dessas marcas seria transformado em roupas que não seriam encontradas nas coleções genuínas da Fendi ou Gucci. Em última análise, Dapper Dan foi um projeto pós-moderno que incluiu o desenvolvimento da moda hip-hop.

Designers e Produtores

Em parte, a moda hip-hop surgiu por padrão. Designers de roupas e calçados esportivos ativos não segmentaram as ruas, boates ou videoclipes como o local principal para seus produtos. Em particular, roupas esportivas de marcas como Adidas, Reebok, Nike e British Knights foram apropriadas pelo hip-hop e se tornaram precursoras das marcas de moda esportiva hip-hop de Troop, Cross Colors, Mecca, Walker Wear e Karl Kani. No entanto, as empresas de vestuário nunca ultrapassaram a preeminência da marca de calçados esportivos. Tênis Nike e Adidas são indicadores da distância do hip-hop do mainstream; para muitos usuários, o tênis e o Nike Swoosh eram objetos poderosos no rito de passagem urbano. Nike Air Force 1s e Air Jordans tornaram-se icônicos e fetichistas. O logotipo da Nike foi usado como joia, cortado no cabelo e tatuado na pele.

O hip-hop criou suas próprias tendências e padrões de consumo, com redes culturais que sofrem mutações intimidantes. Seu conluio com a moda dominante está bem estabelecido. Muitos dos raps de grandes estrelas do hip-hop exaltam a importância de usar Gucci, Prada, Versace, Tommy, Earl, Burberry, Timberland, Coogi e Coach. Esses raps costumam ser vanglórias arrogantes que desculpam uma superioridade, como o pedido de Lil 'Kim em sua música' Drugs 'do álbum Hardcore , 'Chame-nos de meninas Gabbana, nós perigosas, as vadias pagam uma taxa só para sair com a gente' ou 'Sim, de fato, flui de primeira classe e a sua é treinador como a bolsa, a mãe Prada.'

Os motivos, tecidos, cores e o drama do vestuário mudaram drasticamente durante 1998, quando os líderes do hip-hop começaram a reconhecer o quarteto da moda de Versace, Prada, Dolce & Gabbana e Gucci como a última palavra em expressão de moda. O foco materialista estabelecido pelos gangstas do hip-hop, jogadores e celebridades do hip-hop povoou a ideia de 'fabulosidade do gueto' (a justaposição de objetos 'fabulosamente' caros colocados no contexto do gueto empobrecido) como um substituto para o hip- lúpulo da moda que não dependia de endossos de marcas de moda sofisticadas e caras.

Essas novas inflexões levaram a outra revisão da moda hip-hop. Embora as roupas esportivas de marca fossem inicialmente populares na cultura hip-hop, seu deslocamento ocorreu quando Lil 'Kim - entre outras estrelas do hip-hop - usou marcas de estilistas importantes para criar uma imagem de privilégio e status. Fãs comuns de hip-hop e empresas de moda compreenderam essa ideia. Os raps de Lil 'Kim e outros rappers injetaram estratégias de varejo, publicidade e promoção de empresas de moda com uma nova fonte temática e um mercado até então inexplorado. A moda hip-hop representa um discurso subversivo; as empresas de moda reconhecem esse ponto de vista como favorável se desejam afetar valores e atitudes urbanas e, portanto, bacanas. No entanto, algumas empresas falham nessa ambição e todas sofreram com 'mitos' sobre os consumidores que são 'incompatíveis' com a marca da empresa.

Em suas tentativas de alcançar relevância pós-moderna, empresas de moda como Asprey, Puma, Versace e Iceberg usaram a recomendação formal oferecida em estratégias de marketing cruzado. Isso pode variar desde uma celebridade aparecendo em uma campanha publicitária ou apenas sentada na primeira fila de um desfile de estilista.

Para contrariar isso, vários magnatas da música hip-hop - Russell Simmons, P. Diddy e Master P - são proprietários de empresas de vestuário. Suas empresas produzem coleções de moda criativas que são sincronizadas com a produção musical de suas gravadoras. Essas empresas se separam entre aquelas que seguem uma interpretação precisa da moda hip-hop e aquelas que buscam cruzar e produzir designs que tenham um apelo de moda de massa amplo, em vez de um apelo especializado em hip-hop.

Na tentativa de modelar a direção e o conteúdo da moda hip-hop, os magnatas do hip-hop desconsideraram as experiências de vida, os meios econômicos e as tendências autocriativas dos seguidores do hip-hop em favor de uma ideologia pessoal.

Como o hip-hop cruza os limites

No início da década de 1990, um grupo de seguidores do hip-hop do Brooklyn começou a reutilizar as marcas de roupas da Ralph Lauren e costurá-las em roupas não fabricadas por Ralph Lauren. A ação da subcultura Lo-lifer foi desafiar a oposição comercialmente agressiva de Ralph Lauren e neutralizar o 'antagonismo' da marca de moda. A desconstrução da imagem de marca bem mantida da empresa de moda cria uma reversão na hierarquia. Quando a etiqueta Polo de Ralph Lauren é pintada à mão em uma parede, ou mesmo em uma toalha, como os Lo-lifers faziam, uma pergunta é feita sobre a marca comercial e a representação mitológica do logotipo da moda.

Uma característica da moda hip-hop são os vários temas que são filtrados pelas aspirações dos usuários e designers. O estilista norte-americano Tommy Hilfiger captou com sucesso uma compreensão da cultura hip-hop e produziu itens de moda muito específicos, que se encaixam no mercado sem pedir desculpas.

Em meados da década de 1990, novos cortes de jeans da Hilfiger receberam títulos como 'Uptown', que se refere às localizações geográficas do Harlem e do Bronx, dois distritos de Nova York com grandes populações afro-americanas. O corte Uptown dos jeans é ostensivamente o mesmo que jeans extragrande e de cintura baixa fabricados por qualquer outro designer de hip-hop ou fabricante popular e popular voltado para o mercado de hip-hop; no entanto, o grau de entusiasmo do hip-hop por Hilfiger tornou a marca muito popular.

A moda hip-hop é considerada um delineador de 'cool'. De fato, aspectos do hip-hop se tornaram a caracterização da dissonância; é por isso que os príncipes reais britânicos William e Harry gostavam de adotar gestos de homeboy usando bonés de beisebol. Provavelmente por nunca ter conhecido um B-boy real ao vivo, posturas legais de gestos são, sem dúvida, colhidas em videoclipes.

Em um dos estudos mais informativos da expressão cool, Majors e Billson sugerem que cool agrega valor à privação de direitos do indivíduo. Sua prática é construída por meio da atitude e implica status para quem a usa por meio de uma atribuição de importância aos objetos da moda. O fenômeno do cool surge como um ingrediente atraente para a vida do hip-hop; é efetuado pelos apegos do eu. Legal, ou para usar outras evocações, 'voar' ou, na Grã-Bretanha, 'estilizar' é um procedimento criativo de furtividade que serve como um emblema de pertencimento, embora permita que os usuários façam pequenos ajustes na configuração de suas vestimentas.

Veja também Tommy Hilfiger; Ralph Lauren; Música e Moda.

Bibliografia

Fricke, Jim e Ahearn Charlie. Sim, Sim, Vocês: The Experience Music Project História Oral da Primeira Década do Hip-Hop . Cambridge, Mass., Da Capo Press, 2002.

Fromm, Erich. Ter ou ser? Nova York: HarperCollins Publishers, Inc., 1976.

Lil 'Kim. 'Drogas.' Hardcore . (Gravação de som.) New York: Undeas / Big Beat, 1996.

Lusane, Clarence. 'Rap, raça e política.' Raça e classe: um jornal para a libertação negra e do terceiro mundo 35, não. 1 (julho-setembro de 1993): 41-56.

Majors, Richard e Janet Mancini Billson. Postura legal: os dilemas da masculinidade negra na América . Nova York: Touchstone Books, 1993.

Perkins, William Eric, ed. Droppin 'Science: ensaios críticos sobre música rap e cultura hip hop . Filadélfia: Temple University Press, 1995.

Rose, Tricia. Black Noise: música rap e cultura negra na América contemporânea . Middletown, Conn .: Wesleyan University Press, 1994.